微头条丨影像的手感 ---- 少女歌剧BD BOX3附赠古川知宏采访 第7话部分
---- 第7话在整个作品之中都是异色的一话. 可以感觉到演出的尖锐程度和其他话数有很大的差异.
这话总动员了我所有的知识, 把能放进去的东西都放进去了, 以干脆锐利的演出为目标. 不过, 对我而言最重视的其实不是这个. 对于第7话, 台词的开发更重要.
---- 台词, 是指?
(资料图)
"耀眼".
只要能想到这句话就成了. 要的是一个可以以一言表现奈奈, 贯穿第7话的关键词. 进一步, 津田桑和小泉(萌香)桑也通过"耀眼吗" "耀眼"的对话对上了电波, 用同一个单词以完全不同的含义一人一句. 我认为这样的发明是必要的.
---- 为什么是台词? 在画面上的发明不行吗?
就像之前说过的, 已经决定了要在这话尽可能的做硬质的演出. 哪怕再拿什么特别的视觉元素塞进去, 效果也比较有限.
---- 原来如此, 那是在往已经硬质的画面制作里再砸硬质的画面了.
所以需要针对演者的发明.
"耀眼"这词, 同时有正面和负面含义, 既有遥不可及的印象, 也可以说是青春重要的一瞬, 是个强烈的单词. 想出这个的时候我觉得"啊啊, 看来这行我还能干的下去啊"(笑). 完全是第5话的真昼的心情.
---- 非常有力的话语.
必须是谁都会普通的使用的词, 通过自己熟悉的词汇让观众沉浸进来. 而当其在创作意图下表现出完全不同的语感时, 观众会一下子感到毛骨悚然. 比如"离战场还有几公里", "你的眼睛像1万伏特"这些, 明明都是自己日常会用的词, 但组合起来就有击中人心的效果不是吗. 像这种话语的力量, 个人是非常相信的.
不到2000张的表现---- 回到锋利的演出.
很多观众大概在看到披萨消失的那个瞬间时就会注意到本话的紧张感了. 也可能有人是在看到说明时间的字幕的时候产生"嗯? 这话......有点怪啊"的想法. 目前为止的本作没有用字幕来控制节奏过, 就是为了用在这里. 此外, 也想好好利用从第1话就在用的奈奈的照片.
---- 每次快门"咔嚓"时, 都会跳过时间呢.
对. 不过在动画里用照片其实挺困难的. 首先单纯的素材就需要准备很多, 再要考虑远近景, 好好做一张镜头都需要相当的物量. 因为照片是现实世界的一个切面, 后面也当然会存在背景, 美术的工作量也会翻倍.
---- 就像画版权绘一样复杂.
然后和实拍不同, 不去过度演出的话就看不出是在表现回忆的母题. 在统一处理单帧画面的时候需要注意这个.
---- 感觉本话的构图也不太一样.
只拍上半张脸啊, 严重偏向左右啊之类的对吧, 这些本作平时都是不用的. 偏向这边, 去到那边, 再来个中间空白的...... 重复这种拍法会使画面变得硬质.
---- 感觉畅快.
这不是谁教我的, 是从至今参与过的作品, 看过的实拍电影和影像中, 对"如何使连续画面产生硬质感"的长年研究的成果. 就我而言, 这种分镜其实是最好画的.
在做第7话的演出的时候, 我要求尽可能不要动起来. 塚本桑会把握住重点来读分镜让我好做很多, 负责构图的荒川(真嗣)桑的技术也帮了大忙.
---- 不动的话, 性价比很高吧.
需要背景的镜头应该不到200个, 动画不到2000张. 早就决定好了要拼性价比.
---- 2000张还不到正常TV动画的一半, 搞不好甚至不到三分之一.
我脑子有个, 基本上在切镜头的时候, 要有时间或是地点的变化才有意义的规则. 而在第7话将这条规则实践到了极限. 所以虽然没怎么动, 但我认为节奏感还是良好的.
看向镜头带来的东西---- 奈奈和真矢对话时, 有数个学生远远看向镜头的描写, 这是什么用意呢?
某种意义上是给第7话的最后一个镜头露底, 让认定自己是观察者的观众突然感到自己在被注视. 所以做成了不好判断是在看观众还是应真矢的台词在看向奈奈的样子.
至于作品上的意图...... 我认为这个学院虽然一眼看上去是在快乐的生活, 但她们每一个都还是舞台少女. 所以当然也会有人掉队, 而在这些掉队的人的眼中, 也当然有奈奈她们存在于此的现实. 虽然真矢也在这么说, 但这样不是会显得她说教味很重嘛. 所以以这种带有画面冲击力的形式来表现了舞台少女对现实的群体感受. 这部动画的时长有限, 这个方向没能够怎么描写, 就只这样管中窥豹的一瞥, 或许能带来有硬质感的阴森.
---- 是吓了一跳...... 还以为在看观众.
我认为动画中的"看向镜头"是强而有力的. 通过镜头窥视的我们观众之流, 会籍此跨域时间和空间联系在一起. 这也和本作的主题之一, "观众的存在", 有关联.
我认为只要是演出家, 就应该着眼于此类影像或照片所包含的那种恐怖.
---- 也就是把观众牵扯进来的演出呢.
虽然已经是我出生前的事了, 不过出崎(统)桑做过不少这种的. "明日之丈"里, 力石看向这边(镜头)的时候, 我们被看到, 这使得我们也仿佛感受到了一丝力石活着的那瞬间的实感......就是这种演出.
---- "在看这边, 那个力石彻", 这种恐怖感.
对. 明明只是看向同一个地平线上的观测者, 最近的动画却完全没有这种意识. 我的作品中应该会出现不少正面看向镜头的情况.
机位必须带有意图的放置---- 第7话经常重复使用同一个机位呢.
这种重复, 有两种用法.
第一种是为了节奏. 在开场处, 奈奈在走动时只拍到脚的镜头, 就是这种用法. 那里是翻转了奈奈的作画, 然后让镜头跟着奈奈走, 仅此而已. 演出家为了切分节奏, 不知不觉就会分更多的镜, 导致镜头数量无止尽的增长下去. 但是, 如果能把同一个镜头插入几次, 就可以在不增加背景需求的同时切分节奏, 非常有用. 性价比最重要了.
---- 第二种是?
"希望看上去是一回事"的时候. 就第7话而言, A Part里华恋说banana这个昵称的由来的地方, 在B Part里再演后, 变成了由奈奈自己来说, 就是这种情况.
---- 确实用了同样的机位同样的构图.
所以"这是当时的重复"一事是清楚明了的, "奈奈改变了"对于观众而言也很好懂.
此外, 也会用于强调, 明明是相同的构图, 物件却有不同/减少/新增的情况. 意外的, 也有人会用全新的构图来表现......我认为那样会导致难以理解发生了什么变化. 而且, 把机位挪来挪去, 会使观众无法感受的拍摄意图, 而重复机位就带有很明显的意图. 机位必须带有意图的放置. 前面说的看向镜头也是如此, 对于镜头的意识与影片的节奏息息相关, 一定要重视.
被拉进来的观众---- 本话被最被吓到的地方是最后的镜头. 奈奈突然顺滑的回过头来对着镜头说出"我想让那孩子也加入我的舞台".
在脚本回忆上, 我说这里是伍迪艾伦的“安妮霍尔”.
---- 对着镜头说话的部分吗.
对, 多次打破第四面墙. 寺山(修司)的"抛掉书本上街去"片头也是, 最近的"纸牌屋"里也有, 还以为在说凯文史派西成为总统的故事, 突然就开始对观众说话了. 在当今的美国这么拍, 也是最前沿的. 所以想要试试.
---- 那为什么头要回的那么顺滑呢?
那段是一拍二的. 要从头解释的话, 动画是由每秒24帧(24张静态图片)连续播放而构成的......
---- 就像飞快翻动页角让小人动起来一样.
对. 静态图片被翻动起来就好像在动一样.
不过, 也不是真的要为影片的每1秒都画24张图. 如果一张图持续3帧(一拍三)的话, 每秒就只需要8张图了. 人眼最低看一拍三的画面还能够感觉是在普通的运动, 所以一般日本动画都是以一拍三为主.
---- 看向镜头的演出意图刚才聊过了, 但是这里特意做成一拍二而不是一拍三的意图是?
想要毛骨悚然的感觉. 因为动画太过顺滑的动起来的话会让人产生生理上的恶心, 我想要利用这种违和感. 一拍一, 一拍二的效果都不一样, 需要演出家或监督有意识的使用. 都是"睁眼", 中间插入6张过渡的话就是"纽~~~"的睁开, 而只有一张的话就是"啪!"的睁开. 直接影响角色的表现.
顺便一提, 这里的光影其实是捏造的. 因为夕阳在校舍那边, 不应该会形成这样的影子. 但是有半边在阴影里的话更恶心, 所以就捏造了这个和外面的夕阳的颜色不同的紫光. 这样更能突出异质感.
---- 这个镜头的反响极好.
我觉得大家应该都想知道奈奈是怎么看光的, 就特意告诉大家.
---- 没想到会是本人来说.
因为本话的硬质感, 观众和角色间的距离感很强, 而距离感越强, "我们是观测者"的观念也就越根深蒂固. 如此"奈奈意识到了我们的存在"也愈发有效.
---- 反过来利用了本话的硬质感.
对. "硬质感"是一种皮肤的触感, 有时我们也会用它来形容影像. 原本影像是用眼看的, 无法用触感来表现. 但是, 所谓影像就是能够引发观众的触感的啊. 所以需要有意识的将合适的影像手感融入整个作品的演出中. 从这个角度说, 第7话能否被接纳就决定了整部动画能否被接纳.
标签：
